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PINTORES DEL SIGLO XX-XIX

 

         ÁNTONI CLÁVE

Barcelona, España, 1913 – Saint Tropez, Francia, 2005.

Pintor, escultor y artista gráfico catalán, es una de las más relevantes figuras del arte contemporáneo. Su obra se inicio engalanada por un ceremonial barroco de un rutilante y violento cromatismo.

Homenaje del artista a su amigo Pablo Ruiz Picasso, con el cual coincidió en París.

A partir de los años cincuenta sus esquemas se van simplificando a la vez que se endurecen, reduciendo el cromatismo en busca de un ascetismo desprovisto de lo superfluo.

                                                       AGUAFUERTE Y GRABADO 1971

En los últimos años su trabajo es totalmente abstracto, siguiendo una línea de depuración de esquemas formales.

                                                        Grabado Carborundum 1989

Formado en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona con Ángel Ferrant en modelado y por José Mongrell en pintura.

Combatiente republicano en la guerra civil española, se instala en París desde 1939. Por entonces su experiencia en el cartel publicitario y el collage era suficiente como para acometer de forma personal el arte de la litografía y los muy variados asamblages y esculturas objeto desde su trato con Picasso en 1944.

                                     AGUAFUERTE Y GRABADO “ETOILES ET SIGNES”

Reconocido en España a partir de su exposición de la Sala Gaspar de Barcelona (1956), gozaba ya de prestigio internacional recibiendo PREMIOS como:

  • Halimark de Nueva York (1948)
  • David Bright de la Bienal de Venecia (1954)
  • Bienal Internacional de Tokio (1957)

AGUAFUERTE Y CARBORUNDUM ÁNTONI CLÁVE

Continuador del surrealismo y presente en numerosísimas exposiciones por todo el mundo, su obra se encuentra entre otros, en los siguientes MUSEOS y COLECCIONES: – Museo de Bellas Artes de Bilbao – Museo Picasso de Antibes – Tate Gallery – Museo de Arte Moderno de París – British Museum, Londres – Museo de Arte Moderno, Tokio – Museo de Sao Paulo – Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Obras que se encuentran a la venta en nuestra web:

 GRABADO AGUAFUERTE CARBORUNDUM 

Points of Red and Green

LITOGRAFIA “HOMENAJE A DOMENICO THEOTOKOPULUS”

GRABADO CARBORUNDUM ABSTRACTO-70

GRABADO ORIGINAL AGUATINTA

GRABADO AL CARBORUNDUM “EMPREINTE”

LITOGRAFÍA ORIGINAL “LES SANINTES MARIES ”

AGUAFUERTE Y AGUATINTA “NATURE MORTE”

Breve guía de estilos del mueble antiguo: El Renacimiento (II)

Como os habíamos adelantado en la entrada anterior, hoy os traemos la guía de los estilos más habituales del mueble en España durante el Renacimiento, ¿cual os gusta más?

El mueble en el Renacimiento Español

El Renacimiento llega a nuestro país con cierto retraso. Mientras que en otros países en el siglo XVI ya estaba plenamente asentado, en España el nuevo estilo tiene que convivir con las tan asentadas formas góticas.

En primer lugar cabe destacar una importante aportación española a la historia del mueble y que nace precisamente en esta época: el escritorio o bargueño, cuyo uso se generaliza en el periodo comprendido entre los reinados de Felipe II y Felipe V. Los primeros ejemplares son de origen barcelonés y granadino, aunque se extenderán enseguida por toda la península convirtiéndose en un elemento imprescindible de las clases acomodadas. La nobleza del momento, en su afán de imitar a la monarquía, se preocupará de adquirir esta nueva tipología de mueble tanto de factura española como importándolo de otros países.

En cuanto a su origen, los estudiosos han planteado muchas teorías a lo largo de la historia. El nombre de bargueño, el más generalizado para denominar este tipo de muebles, proviene de una teoría, hoy descartada, que afirmaba se trata de una tipología que nació en la localidad toledana de Vargas.

La teoría que parece tener más coherencia en la actualidad es la que afirma que se trata de una tipo de mueble que surge de una transformación de las arcas con cajones europeas que se generalizan durante la Edad Media, que a partir de los siglos XV y XVI se adaptan a las nuevas necesidades y usos propios de la época.

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Detalles de los motivos decorativos de un bargueño del siglo XVI subastado en Setdart el 30 de septiembre de 2012 (Lote nº 33004850)

¿Cuales eran los usos de los escritorios?

A pesar de que el nombre de escritorio nos lleve a pensar instintivamente que se trataba de muebles para escribir sobre ellos, hay que tener en cuenta que por su tamaño y forma esto no era lo habitual. Existen algunos ejemplares habilitados para ello, pero esta era una función esporádica. Los usos más frecuentes de estos muebles son: contenedor de escrituras y documentos , contenedor de objetos apreciados por su dueño como joyas, monedas y otros objetos de colección, y la ostentación de la riqueza de la familia, que a través de la acumulación de ejemplares ( normalmente importados, ya que eran más costosos) demostraba su poder adquisitivo.

También encontramos otras tipologías como los escritorios de camino, que llevaban asas y se aligeraban con cuero y se utilizaban para el transporte de objetos, o los monetarios, concebidos exclusivamente para la colección de medallas y monedas.

Con respecto a sus formas, son muy variadas en cuanto a su estructura ( pueden llevar o no tapa, el número y la disposiciones de los cajones varía en función de la forma y el tamaño…) y en lo que concierne a la decoración. A pesar de ser una tipología de mueble propiamente española, su decoración presenta elementos tanto italianos como de los Países Bajos que se conjugan con motivos tradicionales de nuestro país, dando lugar a una gran variedad estilística, que os presentamos a grandes rasgos a continuación.

PLATERESCO (reinado de Carlos I- 1515)

El término “Plateresco” ha sido muy controvertido a lo largo de la Historia del Arte. Denominado en el pasado como un estilo, hay que tomar en la actualidad este término con cuidado, refiriéndonos a él como una forma de decoración exclusivamente. Este estilo decorativo deriva del trabajo de los plateros, asimilado durante en el Renacimiento en nuestro país en todas las artes: fachadas de edificios, pintura, muebles… Se caracteriza por ser una decoración muy profusa y minuciosa: grutescos, abundante decoración vegetal muy abigarrada, guirnaldas, estrías, animales fantásticos y bustos en medallones.

La transformación en la estructura del mueble será algo más tardía que en su decoración. Poco a poco se irá abandonando la tendencia vertical propia del gótico y se buscarán los contrastes cromáticos jugando con diferentes técnicas como el huecograbado, al que se aplican dorados, estofados, marqueterías y taraceas.

Las maderas más empleadas en la decoración plateresca son el nogal y el bog, ya que permiten el juego de contrastes de color. También se generaliza el uso de cuero (guadamecí).

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Bargueño con decoración plateresca. Siglo XVI ( www.zsierra.com)

MUDÉJAR (siglo XVI)

Se trata de otro estilo excusivamente decorativo de influencia musulmana caracterizado por motivos geométricos que se intercalan con elementos clásicos. Son habituales las marqueterías, artesonados similares a los de la arquitectura e incrustaciones de elementos cerámicos. Las maderas más habituales son el nogal y el boj, aunque también se utiliza el pino y el castaño.

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Frontal de un bargueño con decoración mudéjar vendido en Subastas Imperio el 6 de septiembre de 2012 (Lote nº 54008)

MANIERISTA ( reinado de Felipe II, 1556-1598)

Se trata de un estilo decorativo muy cuidado que conjuga elementos platerescos con motivos flamencos y franceses. Se utiliza tanto la decoración tallada como la pictórica con el uso de dorados, siempre muy elaborada y refinada. La madera de nogal sigue siendo la preferida.

HERRERIANO (reinado de Felipe II, 1556-198)

Este estilo decorativo que coincide cronológicamente con el manierista está basado en las formas arquitectónicas planteadas por Juan de Herrera en El Escorial. Se distingue por sus líneas rectas, su gran elegancia y majestuosidad. Su parte frontal está concebida como la fachada de un edificio en el que se suceden motivos derivados de los órdenes clásicos, volutas, pirámides y bolas.

columnillas-282x300Bargueño de columnillas o salmantino. Siglo XVI. Museo Sierra Pambley (León)

¿Os interesan estos muebles? Os invitamos a que visitéis nuestra sección de bargueños

                                                                                                                                                            Arce.

Cajas de rapé: Pequeños objetos de distinción social

Hola a todos, el tema del que vamos a hablaros hoy está muy relacionado con las modas y las costumbres del pasado. Os proponemos hacer un viaje en el tiempo para conocer los orígenes de nuestro actual tabaco y cómo está relacionado con el coleccionismo.

La moda de esnifar rapé

El rapé ( rallado, en francés) es un preparado de tabaco molido y aromatizado cuyo consumo por vía nasal se puso de moda en Europa con los viajes españoles y portugueses a las Américas. La primera referencia al rapé la encontramos en 1493 en un escrito del religioso Ramón Pané, personaje que presenció el segundo viaje de Colón a Haití.

Esta nueva sustancia tuvo mucho éxito desde su importación y en seguida se puso de moda en la aristocracia europea, siendo su momento de máximo auge el siglo XVIII. En esta centuria la subida del precio del tabaco lo convierte en un producto aun más exclusivo y de lujo, lo que atrajo mucho más a las clases pudientes. El habito de esnifar rapé se convirtió en todo un ritual social en el que cada dama y caballero podían lucir todo el instrumental necesario: básculas para calcular las dosis,un rallador, una cucharita para coger el polvo, filtros, o incluso una pata de liebre para limpiarse los restos de tabaco tras esnifar. No obstante la verdadera protagonista de esta nueva costumbre fue la cajita o tabaquera para el rapé, que desde sus orígenes se convirtió en un objeto de coleccionismo y alcanzó un gran desarrollo artístico.

1.

Lote de cajas de rapé inglesas de porcelana subastas en Balclis el 16 de octubre de 2013 (Lote nº 842)

El coleccionismo de cajitas de rapé

Las cajas de rapé formaron parte de los objetos más preciados de cualquier caballero o dama adinerado, lo que vemos reflejado en algunos retratos de la época, en los que los retratados muestran su cajita de rapé como símbolo de distinción social.Estos personajes las coleccionaban y utilizaban un modelo u otro según la ocasión o el tipo de tabaco.

Entre los coleccionistas más populares cabe destacar figuras como la de Benedicto XIII, Napoleón, Guillermo II y Federico el Grande de Prusia, que llegó a atesorar cerca de mil quinientas cajas de oro. Además, durante su reinado impulsó una importante industria de producción de estas cajas en Berlín.

Entre las damas aficionadas al rapé destaca Catalina de Médicis, que fue una gran defensora de esta costumbre frente a sus detractores y lo utilizó con fines terapéuticos para curar la migraña de su hijo.

2.Caja para rapé de Fabergé realizada en oro, esmalte, diamantes, esmeraldas y rubí, con el monograma del zar Nicolás II. Vendida en Abalarte el 27 de febrero de 2014 (lotenº 1351)

La costumbre de coleccionar estas cajitas se ha mantenido y ha perdurado hasta la actualidad. Su variedad de formas ( algunas muy curiosas),materiales y calidad artística convierten estos objetos en piezas que se adaptan a todos los bolsillos y que han traspasado la línea del coleccionismo particular para formar parte de las colecciones de un gran número de museos de Europa.

En cuanto a los materiales, podemos encontrarlas en marfil, madera tallada, plata, oro, porcelana, carey, esmaltes o incluso en piedras duras, siendo las más cotizadas en el mercado las realizadas en este material por Johan- Christian Neuber.También alcanzan precios muy elevados las piezas francesas y alemanas del siglo XVIII que presentan miniaturas ( generalmente escenas campestres y vistas de ciudades) y que contienen la firma de orfebres consagrados. Las realizadas en oro y en plata solían estar decoradas con esmaltes y piedras preciosas, mientras que las de madera tallada solían incluir el carey. Además de su función decorativa, estas pequeñas tabaqueras tenían que mantener el rapé en unas condiciones adecuadas para el consumo, por lo que en su diseño esto debía tenerse en cuenta. Generalmente presentaban unas bisagras en la parte exterior para poder cerrar la tapa herméticamente sin que el polvo la obstruyera.

3.

Caja de rapé victoriana de madera con forma de zapato. Subastada en Christie’s Londres el 2 de julio de 2014 (lote nº263)

El tamaño también variaba en función del sexo y las necesidades del propietario, siendo las cajitas de las damas más pequeñas y fáciles de transportar. Estas cajas recibían el nombre de “journée”, ya que podían contener la cantidad necesaria de tabaco para un día. También existen otras de mayor tamaño destinadas a colocarse en una mesa situada en algún lugar destacado de la casa.

Con el paso del tiempo el rapé fue cayendo en desuso para dar paso al tabaco en cigarrillo, cuyo uso se empieza a generalizar a principios del siglo XX.

Quizá el éxito de estas cajitas se deba a su reducido tamaño y su gran variedad de posibilidades estéticas y decorativas, o quizás sea el reflejo de que seguimos necesitando estos objetos como señas de nuestra identidad.

¿Tenéis alguna cajita de rapé o algún utensilio relacionado con su uso? Os animamos a que lo compartáis con nosotros.

Arce.

En CompraventaColeccion podrás adquirir esta preciosa báscula de rapé

http://www.compraventacoleccion.com/medidas-de-peso/1902-bascula-pesar-rape.html

4.

LAS MÁSCARAS Y LOS JUEGOS DE IDENTIDAD EN VENECIA

Hola a todos, hoy en nuestro blog de Compraventacoleccion vamos a hablar de un tema sumamente atractivo relacionado con la historia, la artesanía y el coleccionismo: la tradición de las máscaras venecianas y su significado.

Historia y origen del carnaval veneciano

El carnaval en Venecia se remonta al siglo XII y se ha convertido en una tradición que ha perdurado hasta la actualidad, llegando en algunos momentos a durar varios meses (durante la vieja República el carnaval se prolongaba desde el 26 de diciembre hasta el miércoles de ceniza). Las máscaras son una parte indispensable de esta y otras festividades de la ciudad, como el Día de la Ascensión y el Festival de San Marco, siendo el siglo XVIII el momento de mayor esplendor. No obstante, el juego de anonimato que proporcionaban no sólo se limitó a las fiestas, sino que fue un elemento indispensable en la vida cotidiana de la ciudad.

Cuadro Il rinoceronte pietro longhi

Il rinoceronte, Pietro Longhi, 1751, Ca`Rezzonico, Venezia

Significado y tipos de máscaras

La moda de las máscaras venecianas proporcionaba ciertas ventajas que fueron muy aprovechadas tanto por los habitantes de la ciudad como por sus visitantes. A diferencia de otras ciudades europeas, en las que la vestimenta era el reflejo de la clase social, en Venecia, gracias a las máscaras, se producía un fenómeno extraordinario en el que la condición social y las barreras entre los sexos desaparecía para dejar paso a la diversión y el juego, permitiendo a algunos extranjeros ciertas licencias que nunca podrían tomarse en sus lugares de origen.

Entre las máscaras que se utilizaban durante todo el año en la ciudad y que fueron utilizadas por hombres, mujeres, ricos y pobres, se encuentra la conocida como bauta. Se trata de un antifaz que ocultaba los cabellos, las orejas y el cuello, se complementaba con un sombrero de tres picos y una máscara blanca que escondía la parte superior del rostro. Solía acompañarse de una capa larga, el tabarro. El deseo de algunas clases altas de diferenciarse dio lugar una bauta más lujosa, con encajes de Burano y un tabarro de seda fina. Las mujeres jóvenes utilizaban la moretta, que mostraba la posibilidad de ofrecer sus encantos femeninos, ya que no cubría totalmente el cabello y la piel. Tenía forma ovalada, era de terciopelo negro e iba recogida con unos lazos que salían de la parte posterior y se sujetaban con los dientes. Se acompañaba de una pequeña capa de gran colorido.

Máscara Bauta

Bauta Capitano ( www. spiritofvenezia.com)

Otras máscara muy utilizadas son: la Volto, muy sencilla y las utilizada como adorno, la forma de gato (Gatto), muy utilizada por los homosexuales, la de Jolly o Jester, con forma de bufón medieval, la máscara Zanni, con una larga nariz, usada para la representación de la Comedia Dell´ Arte, y la conocida como máscara de la peste, utilizada por los médicos para no contagiarse de la enfermedad y que tiene forma de antifaz con pico de ave.

Mujer con máscara Moretta          Mujer con Moretta, Giovanni Grevembroch,siglo XVIII

 

Máscara Jolly       Máscara Jolly  (www.venicemask.eu)

Como podemos ver, las máscaras venecianas trascienden su función estética y se convierten en embajadoras de la diversión, del juego y de los sueños, convirtiendo a quienes las lleven en lo que quisieran ser y quizás en lo que realmente son.

Máscaras Zanni

Máscaras Zanni (www.mascared.com)

Arce.

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