Archivo de la categoría: Coleccionismo

LA BOTELLA REAL

Botella de la boda de Alfonso XIII con Victoria Eugenia de Battenberg, 1906.

Antigua botella de vino 1906 grande cuvee

Muchos enigmas envuelven el atentado que tuvo lugar el 31 de mayo de 1906 sobre la ceremonia de la boda de Alfonso XIII con Victoria Eugenia de Battenberg.

La celebración tuvo lugar en la Basílica de San Jerónimo de Madrid, una vez oficiada la ceremonia, un carruaje con corceles blancos, dirigía el cortejo al Palacio Real.

En el número 88 de la calle Mayor de Madrid la comitiva sufrió un atentado, un artefacto camuflado en un ramo de rosas, es el causante de la muerte de veintitrés personas, la novia se presento en el convite con su vestido blanco manchado de sangre.

Ya su boda comenzaba con un presagió de desdicha e infelicidad, fue una mujer incomprendida, que luchó durante todo su matrimonio por recuperar el amor de su marido, un cariño que quizá nunca tuvo.

Como todo convite que se precie, los invitados fueron obsequiados con una botella de vino, GRANDE CUVÉE M.C PERRIN MONS con sello Real, en la descripción TO HIS MAYESTY KING ALFONSO BY APPOINTEMENT.

Un vino con Sello Real

Son escasísimas las botellas que pueden quedar de este acontecimiento, sin duda una extraordinaria oportunidad para que que puedas tenerla en tú colección. Está disponible en nuestra página web. 

PINTORES DEL SIGLO XX-XIX

 

         ÁNTONI CLÁVE

Barcelona, España, 1913 – Saint Tropez, Francia, 2005.

Pintor, escultor y artista gráfico catalán, es una de las más relevantes figuras del arte contemporáneo. Su obra se inicio engalanada por un ceremonial barroco de un rutilante y violento cromatismo.

Homenaje del artista a su amigo Pablo Ruiz Picasso, con el cual coincidió en París.

A partir de los años cincuenta sus esquemas se van simplificando a la vez que se endurecen, reduciendo el cromatismo en busca de un ascetismo desprovisto de lo superfluo.

                                                       AGUAFUERTE Y GRABADO 1971

En los últimos años su trabajo es totalmente abstracto, siguiendo una línea de depuración de esquemas formales.

                                                        Grabado Carborundum 1989

Formado en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona con Ángel Ferrant en modelado y por José Mongrell en pintura.

Combatiente republicano en la guerra civil española, se instala en París desde 1939. Por entonces su experiencia en el cartel publicitario y el collage era suficiente como para acometer de forma personal el arte de la litografía y los muy variados asamblages y esculturas objeto desde su trato con Picasso en 1944.

                                     AGUAFUERTE Y GRABADO “ETOILES ET SIGNES”

Reconocido en España a partir de su exposición de la Sala Gaspar de Barcelona (1956), gozaba ya de prestigio internacional recibiendo PREMIOS como:

  • Halimark de Nueva York (1948)
  • David Bright de la Bienal de Venecia (1954)
  • Bienal Internacional de Tokio (1957)

AGUAFUERTE Y CARBORUNDUM ÁNTONI CLÁVE

Continuador del surrealismo y presente en numerosísimas exposiciones por todo el mundo, su obra se encuentra entre otros, en los siguientes MUSEOS y COLECCIONES: – Museo de Bellas Artes de Bilbao – Museo Picasso de Antibes – Tate Gallery – Museo de Arte Moderno de París – British Museum, Londres – Museo de Arte Moderno, Tokio – Museo de Sao Paulo – Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Obras que se encuentran a la venta en nuestra web:

 GRABADO AGUAFUERTE CARBORUNDUM 

Points of Red and Green

LITOGRAFIA “HOMENAJE A DOMENICO THEOTOKOPULUS”

GRABADO CARBORUNDUM ABSTRACTO-70

GRABADO ORIGINAL AGUATINTA

GRABADO AL CARBORUNDUM “EMPREINTE”

LITOGRAFÍA ORIGINAL “LES SANINTES MARIES ”

AGUAFUERTE Y AGUATINTA “NATURE MORTE”

PINTORES DEL SIGLO XX-XIX

 

                                                                         MANOLO VALDÉS

Queremos dar entrada en este blog,  a el introductor en España, de una forma de expresión que combina el compromiso, político y social, con el humor y la ironía, Manolo Valdés.

         

EL PAÑUELO DE MARÍA LUISA

Inició su formación en 1957, año en que ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. No obstante, dos años después abandona los estudios para dedicarse plenamente a la pintura. En 1964 fundó el grupo artístico Equipo Crónica, junto a Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, en el cual permaneció hasta la muerte del segundo, en 1981, pese al hecho de que Toledo había abandona el grupo a los dos años de su fundación. Desde entonces se estableció en Nueva York, ciudad en la que reside actualmente y donde ha seguido experimentando con las nuevas formas de expresión, incluyendo la escultura.

Entre los numerosos galardones que ha obtenido Manolo Valdés destacan los Lissone y Biella de Milán (1965), la medalla de la plata de la II Bienal Internacional de Grabados de Tokio (1979), el premio del Museo de Arte Bridgestone en Lisboa (1979), el Premio Nacional de Artes Plásticas (1983), la medalla del Festival Internacional de Artistas Plásticos de Bagdad (1986), la Condecoración de la Orden de Andrés Bello en Venezuela (1993), el premio del Consejo Nacional de Mónaco (1997), la Medalla de Oro al Mérito de Bellas Artes (1998), el Premio de la Asociación Española de Críticos de Arte (2000) y el Premio al Mejor Artista de Estampa (2002), entre otros. Con el Equipo Crónica, Valdés se sirvió de la figuración como vehículo de expresión para sus planteamientos, para sus críticas al arte, la sociedad y la política, pero primando por encima de cualquier otro contenido el puro acto de pintar.

Desde el punto de vista temático, Valdés se inspira en el arte de los grandes maestros de la pintura: Goya, Velázquez, El Greco, Ribera o Zurbarán, y nunca oculta sus modelos, sino que más bien los subraya, incluso en los títulos de sus obras.
Su obra fuerza a quien la observa a indagar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte.

Valdés está representado en algunos de los museos más destacados de todo el mundo, como el Reina Sofía de Madrid, el Metropolitan, el MoMA y el Guggenheim de Nueva York, el Centro Georges Pompidou y el Fons National d’Arts Plastiques de París, la Kusnthalle de Hamburgo, el Kunstmuseum de Berlín y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre muchos otros.

Cajas de rapé: Pequeños objetos de distinción social

Hola a todos, el tema del que vamos a hablaros hoy está muy relacionado con las modas y las costumbres del pasado. Os proponemos hacer un viaje en el tiempo para conocer los orígenes de nuestro actual tabaco y cómo está relacionado con el coleccionismo.

La moda de esnifar rapé

El rapé ( rallado, en francés) es un preparado de tabaco molido y aromatizado cuyo consumo por vía nasal se puso de moda en Europa con los viajes españoles y portugueses a las Américas. La primera referencia al rapé la encontramos en 1493 en un escrito del religioso Ramón Pané, personaje que presenció el segundo viaje de Colón a Haití.

Esta nueva sustancia tuvo mucho éxito desde su importación y en seguida se puso de moda en la aristocracia europea, siendo su momento de máximo auge el siglo XVIII. En esta centuria la subida del precio del tabaco lo convierte en un producto aun más exclusivo y de lujo, lo que atrajo mucho más a las clases pudientes. El habito de esnifar rapé se convirtió en todo un ritual social en el que cada dama y caballero podían lucir todo el instrumental necesario: básculas para calcular las dosis,un rallador, una cucharita para coger el polvo, filtros, o incluso una pata de liebre para limpiarse los restos de tabaco tras esnifar. No obstante la verdadera protagonista de esta nueva costumbre fue la cajita o tabaquera para el rapé, que desde sus orígenes se convirtió en un objeto de coleccionismo y alcanzó un gran desarrollo artístico.

1.

Lote de cajas de rapé inglesas de porcelana subastas en Balclis el 16 de octubre de 2013 (Lote nº 842)

El coleccionismo de cajitas de rapé

Las cajas de rapé formaron parte de los objetos más preciados de cualquier caballero o dama adinerado, lo que vemos reflejado en algunos retratos de la época, en los que los retratados muestran su cajita de rapé como símbolo de distinción social.Estos personajes las coleccionaban y utilizaban un modelo u otro según la ocasión o el tipo de tabaco.

Entre los coleccionistas más populares cabe destacar figuras como la de Benedicto XIII, Napoleón, Guillermo II y Federico el Grande de Prusia, que llegó a atesorar cerca de mil quinientas cajas de oro. Además, durante su reinado impulsó una importante industria de producción de estas cajas en Berlín.

Entre las damas aficionadas al rapé destaca Catalina de Médicis, que fue una gran defensora de esta costumbre frente a sus detractores y lo utilizó con fines terapéuticos para curar la migraña de su hijo.

2.Caja para rapé de Fabergé realizada en oro, esmalte, diamantes, esmeraldas y rubí, con el monograma del zar Nicolás II. Vendida en Abalarte el 27 de febrero de 2014 (lotenº 1351)

La costumbre de coleccionar estas cajitas se ha mantenido y ha perdurado hasta la actualidad. Su variedad de formas ( algunas muy curiosas),materiales y calidad artística convierten estos objetos en piezas que se adaptan a todos los bolsillos y que han traspasado la línea del coleccionismo particular para formar parte de las colecciones de un gran número de museos de Europa.

En cuanto a los materiales, podemos encontrarlas en marfil, madera tallada, plata, oro, porcelana, carey, esmaltes o incluso en piedras duras, siendo las más cotizadas en el mercado las realizadas en este material por Johan- Christian Neuber.También alcanzan precios muy elevados las piezas francesas y alemanas del siglo XVIII que presentan miniaturas ( generalmente escenas campestres y vistas de ciudades) y que contienen la firma de orfebres consagrados. Las realizadas en oro y en plata solían estar decoradas con esmaltes y piedras preciosas, mientras que las de madera tallada solían incluir el carey. Además de su función decorativa, estas pequeñas tabaqueras tenían que mantener el rapé en unas condiciones adecuadas para el consumo, por lo que en su diseño esto debía tenerse en cuenta. Generalmente presentaban unas bisagras en la parte exterior para poder cerrar la tapa herméticamente sin que el polvo la obstruyera.

3.

Caja de rapé victoriana de madera con forma de zapato. Subastada en Christie’s Londres el 2 de julio de 2014 (lote nº263)

El tamaño también variaba en función del sexo y las necesidades del propietario, siendo las cajitas de las damas más pequeñas y fáciles de transportar. Estas cajas recibían el nombre de “journée”, ya que podían contener la cantidad necesaria de tabaco para un día. También existen otras de mayor tamaño destinadas a colocarse en una mesa situada en algún lugar destacado de la casa.

Con el paso del tiempo el rapé fue cayendo en desuso para dar paso al tabaco en cigarrillo, cuyo uso se empieza a generalizar a principios del siglo XX.

Quizá el éxito de estas cajitas se deba a su reducido tamaño y su gran variedad de posibilidades estéticas y decorativas, o quizás sea el reflejo de que seguimos necesitando estos objetos como señas de nuestra identidad.

¿Tenéis alguna cajita de rapé o algún utensilio relacionado con su uso? Os animamos a que lo compartáis con nosotros.

Arce.

En CompraventaColeccion podrás adquirir esta preciosa báscula de rapé

http://www.compraventacoleccion.com/medidas-de-peso/1902-bascula-pesar-rape.html

4.

La pintura de bodegones: mucho más que objetos

Hola a todos, en nuestro post de hoy vamos a hablar de un género pictórico muy extendido desde su aparición: los bodegones o naturalezas muertas. En www.compraventacoleccion.com tenemos una amplia gama de cuadros de esta temática, ¿ Quieres saber más sobre este género? Sigue leyendo!

El bodegón, término español para designar a la “naturaleza muerta” es un género pictórico que representa como elemento principal animales, flores u objetos naturales ( verduras, frutas, elementos marinos) y objetos realizados por el hombre (utensilios para la casa,artes decorativas, antigüedades, monedas ) de forma muy detallada.

En contra de lo que pueda parecer, el bodegón es un tipo de pintura que trasciende lo puramente decorativo o estético. Si bien es cierto que en los últimos años el bodegón ha sido utilizado simplemente como un tipo de pintura “decorativa”, a lo largo de la Historia del Arte la representación de naturalezas muertas y objetos ha servido de vehículo para transmitir diferentes conceptos religiosos y sociales, convirtiéndose así en un tipo de arte de fuerte carga simbólica.

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Bodegón (siglos XVII_XVIII)  en óleo sobre lienzo

http://www.compraventacoleccion.com/pintura-al-oleo-antigua-sin-fecha-definida/140-oleo-sobre-lienzo-bodegon-siglo-xvii-xviii-151.html

Significado y técnica

Aunque los verdaderos orígenes del bodegón se remontan a la Antigüedad habrá que esperar hasta la llegada del Barroco para que el bodegón se convierta en un género pictórico independiente. Con una gran variedad de posibilidades, las naturalezas muertas han tenido diferentes significados a lo largo de la historia.

En el arte romano se utilizaba la representación variada de alimentos en las paredes de las casas como una forma de ostentación de las clases sociales más altas. Sin embargo, en el Antiguo Egipto estas imágenes se situaban en las tumbas, para que los difuntos tuviesen algo que comer durante su viaje al más allá.

Otro de los motivos más habituales de los bodegones es la representación de las cuatro estaciones, para lo cual se utilizaron de forma simbólica diferentes flores y frutas.

Sin embargo, el concepto que más relevancia tuvo en la pintura de bodegones es la representación de la “vanitas”. Se trata de un concepto utilizado desde el siglo XV pero que adquiere una gran relevancia a partir del siglo XVII y que hace alusión a la brevedad de la vida. En los bodegones barrocos, sobre todo en los holandeses y españoles del siglo XVII  es muy habitual encontrar una calavera, un reloj de arena, joyas y libros. Todos estos objetos representan este concepto: la fugacidad de la vida terrenal y cómo los bienes y riquezas materiales no pueden impedir la muerte, que nos alcanzará a todos.

En lo que respecta a la forma de representar estas naturalezas muertas, estamos ante un género que siempre ha sido especialmente propicio para que los artistas experimenten su habilidad técnica ya que la combinación de objetos de diferente naturaleza les permitía jugar con la composición, la luz y la representación de diferentes materiales. Fue especialmente significativa en este sentido la pintura de artistas del norte de Europa, como Jan Van Eyck, entre cuyas preocupaciones principales estaba el realismo óptico muy detallado. Estos artistas, incluyeron los bodegones en sus pinturas con un significado simbólico- en ocasiones muy profundo- siempre como algo secundario dentro de sus pinturas, ya que no será hasta el siglo XVII cuando adquiera una categoría independiente.

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Detalle de “El matrimonio Arnolfini” (National Gallery, Londres), en el que se ven representadas unas naranjas a modo de “pequeño bodegón” junto a una ventana

Es en este momento cuando adquiere un mayor grado de desarrollo y realismo. En España fue un género muy cultivado por los artistas barrocos, entre los que cabe destacar Sánchez Cotán , Zurbarán y Velázquez , que consiguieron alcanzar grandes cotas de realismo en sus pinturas.

Otra etapa de la Historia del Arte que fue muy prolífica en la representación del bodegón fue el Impresionismo, ya que se trata de una corriente cuyo principal objetivo era la investigación y la experimentación con la luz. Los bodegones de esta corriente artística, entre los que destacan los de Paul Cézzane , se pueden entender como “ejercicios” de composición, formación de los colores textura…

La evolución del arte y la llegada de las Vanguardias artísticas del siglo XX cambiaron radicalmente la forma de representación del bodegón. Siguiendo la línea de experimentación iniciada por el Impresionismo, en el siglo XX se empiezan a utilizar nuevos materiales, algunos de ellos no pictóricos, que difuminaron los límites entre lo bidimensional y lo tridimensional, construyendo un arte fuera de las tradicionales categorías de artes plásticas. Esta nueva concepción del arte nos ofrece bodegones con envases reales pegados, mezcla entre fotografías y recortes de revistas y catálogos y toda serie de elementos.

Picasso collage

“Bodegón con caña de silla”, Collage realizado por Pablo Picasso (Colección particular)

Si ya se trata de un género pictórico muy rico en cuanto a variedad de objetos que retrata, la Historia del Arte nos ha ido ofreciendo una gran variedad de formas para representar el bodegón, convirtiéndolo así en un género  de infinitas posibilidades que perdura hasta nuestros días.

Os invitamos a que visitéis nuestra página para ver los bodegones que tenemos a la venta, quizás encierren algún significado nuevo por descubrir…

http://www.compraventacoleccion.com/pintura-al-oleo-antigua-sin-fecha-definida/91-oleo-sobre-lienzo-bodegon-siglo-xvii-xviii-553.html

                                                                                                                                                            Arce.