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La pintura de bodegones: mucho más que objetos

Hola a todos, en nuestro post de hoy vamos a hablar de un género pictórico muy extendido desde su aparición: los bodegones o naturalezas muertas. En www.compraventacoleccion.com tenemos una amplia gama de cuadros de esta temática, ¿ Quieres saber más sobre este género? Sigue leyendo!

El bodegón, término español para designar a la “naturaleza muerta” es un género pictórico que representa como elemento principal animales, flores u objetos naturales ( verduras, frutas, elementos marinos) y objetos realizados por el hombre (utensilios para la casa,artes decorativas, antigüedades, monedas ) de forma muy detallada.

En contra de lo que pueda parecer, el bodegón es un tipo de pintura que trasciende lo puramente decorativo o estético. Si bien es cierto que en los últimos años el bodegón ha sido utilizado simplemente como un tipo de pintura “decorativa”, a lo largo de la Historia del Arte la representación de naturalezas muertas y objetos ha servido de vehículo para transmitir diferentes conceptos religiosos y sociales, convirtiéndose así en un tipo de arte de fuerte carga simbólica.

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Bodegón (siglos XVII_XVIII)  en óleo sobre lienzo

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Significado y técnica

Aunque los verdaderos orígenes del bodegón se remontan a la Antigüedad habrá que esperar hasta la llegada del Barroco para que el bodegón se convierta en un género pictórico independiente. Con una gran variedad de posibilidades, las naturalezas muertas han tenido diferentes significados a lo largo de la historia.

En el arte romano se utilizaba la representación variada de alimentos en las paredes de las casas como una forma de ostentación de las clases sociales más altas. Sin embargo, en el Antiguo Egipto estas imágenes se situaban en las tumbas, para que los difuntos tuviesen algo que comer durante su viaje al más allá.

Otro de los motivos más habituales de los bodegones es la representación de las cuatro estaciones, para lo cual se utilizaron de forma simbólica diferentes flores y frutas.

Sin embargo, el concepto que más relevancia tuvo en la pintura de bodegones es la representación de la “vanitas”. Se trata de un concepto utilizado desde el siglo XV pero que adquiere una gran relevancia a partir del siglo XVII y que hace alusión a la brevedad de la vida. En los bodegones barrocos, sobre todo en los holandeses y españoles del siglo XVII  es muy habitual encontrar una calavera, un reloj de arena, joyas y libros. Todos estos objetos representan este concepto: la fugacidad de la vida terrenal y cómo los bienes y riquezas materiales no pueden impedir la muerte, que nos alcanzará a todos.

En lo que respecta a la forma de representar estas naturalezas muertas, estamos ante un género que siempre ha sido especialmente propicio para que los artistas experimenten su habilidad técnica ya que la combinación de objetos de diferente naturaleza les permitía jugar con la composición, la luz y la representación de diferentes materiales. Fue especialmente significativa en este sentido la pintura de artistas del norte de Europa, como Jan Van Eyck, entre cuyas preocupaciones principales estaba el realismo óptico muy detallado. Estos artistas, incluyeron los bodegones en sus pinturas con un significado simbólico- en ocasiones muy profundo- siempre como algo secundario dentro de sus pinturas, ya que no será hasta el siglo XVII cuando adquiera una categoría independiente.

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Detalle de “El matrimonio Arnolfini” (National Gallery, Londres), en el que se ven representadas unas naranjas a modo de “pequeño bodegón” junto a una ventana

Es en este momento cuando adquiere un mayor grado de desarrollo y realismo. En España fue un género muy cultivado por los artistas barrocos, entre los que cabe destacar Sánchez Cotán , Zurbarán y Velázquez , que consiguieron alcanzar grandes cotas de realismo en sus pinturas.

Otra etapa de la Historia del Arte que fue muy prolífica en la representación del bodegón fue el Impresionismo, ya que se trata de una corriente cuyo principal objetivo era la investigación y la experimentación con la luz. Los bodegones de esta corriente artística, entre los que destacan los de Paul Cézzane , se pueden entender como “ejercicios” de composición, formación de los colores textura…

La evolución del arte y la llegada de las Vanguardias artísticas del siglo XX cambiaron radicalmente la forma de representación del bodegón. Siguiendo la línea de experimentación iniciada por el Impresionismo, en el siglo XX se empiezan a utilizar nuevos materiales, algunos de ellos no pictóricos, que difuminaron los límites entre lo bidimensional y lo tridimensional, construyendo un arte fuera de las tradicionales categorías de artes plásticas. Esta nueva concepción del arte nos ofrece bodegones con envases reales pegados, mezcla entre fotografías y recortes de revistas y catálogos y toda serie de elementos.

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“Bodegón con caña de silla”, Collage realizado por Pablo Picasso (Colección particular)

Si ya se trata de un género pictórico muy rico en cuanto a variedad de objetos que retrata, la Historia del Arte nos ha ido ofreciendo una gran variedad de formas para representar el bodegón, convirtiéndolo así en un género  de infinitas posibilidades que perdura hasta nuestros días.

Os invitamos a que visitéis nuestra página para ver los bodegones que tenemos a la venta, quizás encierren algún significado nuevo por descubrir…

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                                                                                                                                                            Arce.

 

Tres siglos de porcelana de Meissen: el sueño de un rey

Hoy os vamos a contar la historia de una de las porcelanas más exquisitas y más buscadas del mundo, la porcelana de Meissen.

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Origen

El origen de la porcelana de Meissen se remonta finales del siglo XVII cuando Augusto el Fuerte, elector de Sajonia y rey de Polonia, emprendió una incansable búsqueda de la fórmula para realizar la porcelana de pasta dura, ya que era muy costoso importarla de China. Para esta labor contó con el alquimista Johann Friedrich Böttger, quien llevaba años bajo su protección intentado convertir sin éxito cualquier material innoble en oro. Tras varios años de experimentación se empezaron a ver los primeros resultados de Böttger y su colaborador Ehrenfried Walter von Tschirnhaus: en torno a 1700 se consiguió con éxito la realización de piezas de gres de gran calidad y unos años más tarde fabricó una curiosa porcelana híbrida usando alabastro.

Estos avances condujeron a la fundación de la Real Fábrica Sajona de Porcelana de Meissen, en la que Böttger pudo seguir mejorando y perfeccionando su fórmula, alcanzando ya un gran refinamiento en 1719.

Los primeros productos que se realizaron en la fábrica se inspiraron en las formas de la platería, decoradas con esmaltes de gran colorido realizados por varios colaboradores. El primero de ellos, J.G.Höroldt, que trabajó en la fábrica a partir de 1720, fue uno de los más brillantes a pesar de su juventud. Su delicada decoración unida a la elegancia barroca del modelado de la fábrica hicieron crecer rápidamente la popularidad de la porcelana de Meissen, que llegó a eclipsar incluso a las mejores porcelanas chinas.

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Jarrón de porcelana de Meissen.Siglo XIX. Museo Cerralbo

Era el comienzo de una producción de 300 años a lo largo de los cuales la fábrica se expandió y llegó a producir grandes cantidades de porcelana para mercados extranjeros. Por ella pasaron numerosos decoradores y fue evolucionando y perfeccionándose hasta conseguir una porcelana cada vez más blanca, pura y brillante. Tras la Guerra de los Siete Años, la fábrica atravesó un momento de declive del que nunca se recuperaría totalmente. Se rescataron modelos originales que se siguen fabricando hoy en día y se emuló el estilo de la porcelana francesa de Sèvres. Las piezas modernas de Meissen han perdido la blancura y se caracterizan por su tono grisáceo y el añadido “Germany” a la marca habitual.

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Grupo de figuras de porcelana de Meissen vendidas en Alcalá Subastas. 27 y 28 de febrero de 2013. Lotes 261,262 y 263.

Temática y decoración

A lo largo de sus 300 años de existencia, la temática y la decoración de la cerámica de Meissen ha ido variando. En la década de 1730, la más esplendorosa, el tema más frecuente fue el de las escenas portuarias, que tomaban sus modelos de grabados de la época, siendo las ciudades de Venecia y Génova las más representadas.

También se representaron batallas, escenas de la Commedia dell’Arte y flores muy estilizadas, como peonías, crisantemos y flores de ciruelo. Fueron especialmente populares las conocidas como “flores hindúes”, basadas en la pintura china de flores. También otros temas de la porcelana china fueron muy habituales, se adaptó la familia rosa y también se realizaron piezas con decoración de influencia japonesa.

Una de las principales innovaciones de la porcelana de Meissen fue la representación de diferentes aves europeas,de forma muy colorida, que fueron realizadas a partir de modelos tomados de las aves vivas de la colección del elector Augusto.

Con el tiempo, las nuevas tendencias artísticas no le fueron ajenas a la fábrica, que incluyó entre sus decoraciones los temas típicamente neoclásicos, como los paisajes en ruinas para los que se contó con la colaboración de pintores especializados.

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Jarrón de porcelana perteneciente a una pareja con los pájaros característicos de Meissen. 1850. Museo Cerralblo

Las marcas

Un aspecto esencial en la producción de porcelana es la marca que garantiza la autenticidad y la datación de las piezas, ya que cada etapa de producción presenta variaciones en la marca.

En el caso de Meissen la marca más temprana, datada en 1723, mostraba el bastón de Hermes con serpientes entrelazadas y las letras KPM (Königliche Porzellan Manufaktur). A partir de 1724 se comenzó a usar la marca habitual que ha sido utilizada hasta nuestros días con pequeñas variaciones según el periodo: la marca de las dos espadas cruzadas. Algunos ejemplos son:

El “periodo académico” está representado con un punto entre las empuñaduras; una estrella entre o debajo de las empuñaduras identifica la pieza como “período de Marcolini”, y una línea incisa atravesando la marca de las espadas es un indicador de que la pieza fue considerada como de poca calidad.

A la hora de adquirir una pieza, aunque veamos e identifiquemos la marca hay que tener en cuenta las numerosas falsificaciones que existen en el mercado y la utilización de la marca de las espadas cruzadas en Inglaterra en el siglo XVIII por las fábricas Worcester y Bow y Derby y Minton a principios del siglo XX.

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Esquema de la evolución en la marca de la porcelana de Meissen ( www.antichecose.com)

Una larga tradición que continúa hasta nuestros días y que nos brinda la oportunidad de acercarnos a un pasado glorioso en la producción de porcelana.

Arce.

Si estás interesado en adquirir una pieza de Meissen visítanos:

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Caja de música

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         Caja de música con manivela

¿Quien no se ha quedado prendado, escuchando el sonido de una caja de música?..

 ¿ Y quién no se ha quedado mirando a la bailarina, dar vueltas y vueltas sobre sí misma?.

Si en alguna ocasión se os pasa por la cabeza, como sale la música de la caja y como da vueltas la bailarina, ahora  os podéis enterar.

Una caja de música es un instrumento musical mecánico creado en el siglo XIX, que funcionaban por medio de remaches ubicados en un cilindro giratorio o disco que, al alzar y soltar las láminas afinadas de un cepillo o teclado de metal, produciendo el sonido.

En el siglo XVIII, llamadas CARILLONS á MUSIQUE se usaban discos metálicos y después de las guerras napoleónicas se cambiaron a cilindros.

A principios del siglo XIX se emplea un mecanismo de dientes y púas donde se permite introducir más cantidad, para que las cajas de música sean más pequeñas, estas pueden ser de diversos tamaños, en el siglo XIX la producción se concretó en Suiza, donde se estableció una fuerte tradición relojera, también en Bohemia y Alemania y a finales del siglo XIX se comenzó a fabricar en Estados Unidos.

 

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              Caja de música en madera siglo XX

ELEMENTOS DE LA CAJA DE MÚSICA

– La base es una placa de metal donde se fijan los tornillos de las demás piezas.

– La manivela, para activar el muelle poniéndolo en tensión.

– El motor del muelle, este permite que la melodía dure un tiempo.

– El cepillo o teclado de metal, compuesto con láminas afinadas.

– Los remaches, ubicados en el cilindro giratorio, que alzan las láminas del cepillo para que produzca el sonido.

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Caja de música- cigarrera art-deco con marquetería

MEJORAS EN LAS CAJAS

Durante los años se fueron realizando mejoras como:

Acentuar el ritmo de la melodía Tambor y Campana, permitir que la melodía y acompañamiento fueran tocados a la vez con un Dúplex, producir sonidos tanto fuertes como suaves Piano- Forte, Harpe Éolienne para afinar las cuerdas, La Mandolina fue la más famosa mejora se encuentra en cajas con dientes muy afinados en los peines y líneas bien agrupadas en los cilindros, Caja Orquesta, es una caja con varias mejoras, como tambor, campanas y castañuelas y por último Accesorios Citara que se populariza en el año 1880 y ayuda a la caja aumentar su sonido y producía un zumbido que se asimila al de una citara o arpa.

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                     Cítara instrumento musical

Algunos lotes para comprar tus cajas de música, o instrumentos musicales……

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CVC

 

Las cámaras de maravillas: el coleccionismo del mundo

Hola a todos,

El tema que os proponemos hoy en el blog de Compraventacoleccion está muy relacionado con el coleccionismo y el afán del ser humano por atesorar objetos raros, exóticos y curiosos. Viajaremos hasta el siglo XV para conocer las “cámaras de maravillas”

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 Museo Cospiano Catálogo de la colección publicado en  Bologna en 1677

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Origen

Las cámaras de maravillas surgen con las grandes exploraciones que tuvieron lugar a partir del descubrimiento de América y durante los siglos XVI y XVII. A partir del siglo XV se producen notables avances tecnológicos en la cartografía, la construcción naval y la navegación. Concretamente, la circunnavegación de África fue esencial para establecer rutas comerciales con Asia durante los siglo XVI y parte del XVII, llegando en este momento a conocer prácticamente todos los continentes. A todo esto tenemos que añadir la invención de la imprenta y ligado a ella el nacimiento del Humanismo, que tuvo un papel esencial en la creación y difusión de estos gabinetes.

Los pioneros en la creación de las cámaras de maravillas fueron los españoles y los portugueses, aunque rápidamente se extendieron por toda Europa, como podemos ver reflejado en la pintura de diferentes países europeos como Holanda e Inglaterra.

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Olaf Worm, Museum Wormianum seu historia rerum rariorum.1655

La imagen del mundo

Los descubrimientos y la explotación de nuevas tierras, algunas descritas en las crónicas de la época como “el paraíso”, se reflejó en una llegada ingente de especímenes y productos exóticos a Europa. Los primeros en beneficiarse de estos objetos fueron los príncipes y gobernantes, a los que les siguieron nobles y eruditos adinerados que los atesoraron en las llamadas “cámaras de maravillas”.

Estas cámaras se convirtieron en verdaderos escaparates de lo exótico, lo novedoso y lo extraño del mundo y sus descubrimientos. Tal y como se entendía la naturaleza entonces, conformada por tres reinos- animalia, vegetalia y mineralia, las cámaras de maravillas pretendían ofrecer testimonio de todos ellos, además de incluir objetos realizados por el ser humano. La variedad y origen de los objetos que se podían encontrar en estos gabinetes era muy amplia: minerales, fósiles, caracolas, corales, ámbares, restos de animales, plantas, antigüedades, artilugios mecánicos y artesanales de diferentes partes del mundo convivían para ofrecer al espectador un conocimiento más amplio tanto de la naturaleza como de los logros del ser humano. Además de poder considerarlas como el origen de los actuales museos, estas cámaras tuvieron una gran trascendencia en el mundo científico, ya que era habitual que se reprodujeran en catálogos con ilustraciones, lo que posibilitó a muchos científicos conocer especies nuevas de animales, plantas, minerales y artilugios que reflejaban avances tecnológicos sin tener que desplazarse. No obstante, estos objetos convivían con otros de procedencia mágica, como cuernos de unicornio, sangre de dragón, o esqueletos de seres mitológicos.

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Domenico Remps, Cabinet des curiositès, 1690

Esta imagen del mundo estaba organizada en cuatro categorías principales:

  • artificialia: En esta categoría se incluían los objetos creados o modificados por el ser humano. Es en esta categoría en la que se incluirían las antigüedades y los objetos artísticos.

  • naturalia: Incluían diversas criaturas, plantas y minerales

  • exótica: Categoría dedicada a agrupar las plantas y los animales más extraños y diferentes.

  • scientífica: Destinada a albergar instrumentos científicos, como los relacionados con los avances en navegación.

Estos pequeños mundos se prolongaron en en el tiempo y se fueron diversificando y especializando cada vez más, desapareciendo durante los siglos XVIII y XIX con el desarrollo de los museos. No obstante, debemos considerarlos como una parte importante del desarrollo de lo que hoy conocemos por coleccionismo. Os invitamos a que compartáis con nosotros vuestras particulares “cámaras de maravillas”.

                                                                             Arce.

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LAS MÁSCARAS Y LOS JUEGOS DE IDENTIDAD EN VENECIA

Hola a todos, hoy en nuestro blog de Compraventacoleccion vamos a hablar de un tema sumamente atractivo relacionado con la historia, la artesanía y el coleccionismo: la tradición de las máscaras venecianas y su significado.

Historia y origen del carnaval veneciano

El carnaval en Venecia se remonta al siglo XII y se ha convertido en una tradición que ha perdurado hasta la actualidad, llegando en algunos momentos a durar varios meses (durante la vieja República el carnaval se prolongaba desde el 26 de diciembre hasta el miércoles de ceniza). Las máscaras son una parte indispensable de esta y otras festividades de la ciudad, como el Día de la Ascensión y el Festival de San Marco, siendo el siglo XVIII el momento de mayor esplendor. No obstante, el juego de anonimato que proporcionaban no sólo se limitó a las fiestas, sino que fue un elemento indispensable en la vida cotidiana de la ciudad.

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Il rinoceronte, Pietro Longhi, 1751, Ca`Rezzonico, Venezia

Significado y tipos de máscaras

La moda de las máscaras venecianas proporcionaba ciertas ventajas que fueron muy aprovechadas tanto por los habitantes de la ciudad como por sus visitantes. A diferencia de otras ciudades europeas, en las que la vestimenta era el reflejo de la clase social, en Venecia, gracias a las máscaras, se producía un fenómeno extraordinario en el que la condición social y las barreras entre los sexos desaparecía para dejar paso a la diversión y el juego, permitiendo a algunos extranjeros ciertas licencias que nunca podrían tomarse en sus lugares de origen.

Entre las máscaras que se utilizaban durante todo el año en la ciudad y que fueron utilizadas por hombres, mujeres, ricos y pobres, se encuentra la conocida como bauta. Se trata de un antifaz que ocultaba los cabellos, las orejas y el cuello, se complementaba con un sombrero de tres picos y una máscara blanca que escondía la parte superior del rostro. Solía acompañarse de una capa larga, el tabarro. El deseo de algunas clases altas de diferenciarse dio lugar una bauta más lujosa, con encajes de Burano y un tabarro de seda fina. Las mujeres jóvenes utilizaban la moretta, que mostraba la posibilidad de ofrecer sus encantos femeninos, ya que no cubría totalmente el cabello y la piel. Tenía forma ovalada, era de terciopelo negro e iba recogida con unos lazos que salían de la parte posterior y se sujetaban con los dientes. Se acompañaba de una pequeña capa de gran colorido.

Máscara Bauta

Bauta Capitano ( www. spiritofvenezia.com)

Otras máscara muy utilizadas son: la Volto, muy sencilla y las utilizada como adorno, la forma de gato (Gatto), muy utilizada por los homosexuales, la de Jolly o Jester, con forma de bufón medieval, la máscara Zanni, con una larga nariz, usada para la representación de la Comedia Dell´ Arte, y la conocida como máscara de la peste, utilizada por los médicos para no contagiarse de la enfermedad y que tiene forma de antifaz con pico de ave.

Mujer con máscara Moretta          Mujer con Moretta, Giovanni Grevembroch,siglo XVIII

 

Máscara Jolly       Máscara Jolly  (www.venicemask.eu)

Como podemos ver, las máscaras venecianas trascienden su función estética y se convierten en embajadoras de la diversión, del juego y de los sueños, convirtiendo a quienes las lleven en lo que quisieran ser y quizás en lo que realmente son.

Máscaras Zanni

Máscaras Zanni (www.mascared.com)

Arce.

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